domingo, 21 de julio de 2013

Brit Marling

Brit Marling, between diving dumpster and Hollywood.

I had not heard of her name until one of the editors of MOTB proposed I write about her. The editor, who is also a friend, had said: “she reminds me of you”.
Ok, this girl is tall, blond and has blue eyes… but I believe what she meant had more to do with the kind of girl Brit (named after her Norwegian maternal great-grandmother) is.  So, I started to read about her life, and began to identify a little with the way she tries to get out of her comfort zone in order to search for her real purpose in life. Defining herself as a “tree climber” on her Twitter account, well, that really got my attention.
Brit Marling was born in Chicago (USA) in 1983; she is a writer, producer, director and actress. From what I read she comes across as a sort of anti-ingenue in the Hollywood of today. After attending Georgetown University and securing an internship at Goldman Sachs, she decided to audition for some bad movies, until she realized that to get better roles she would need to write the scripts herself. So she took up this challenge, helped by two of her very best friends; cinema directors Zal Batmanglij and Mike Cahill, she co-wrote and also starred in some very cerebral movies, includingAnother Earth, Sound of My Voice and the recent The East.
In The East, Marling plays Sarah Moss, a private security-firm investigator who infiltrates a group of anarchists. Led by the charismatic Benji (Alexander Skarsgård) and Izzy (Ellen Page), the group carries out attacks on various corrupt corporate entities (big pharma, oil companies and other polluters, etc.), including some of Sarah’s firm’s clients. Once she gets to know the members of the group, she begins to question who’s really right: the anarchy-minded activists or the corporate criminals whom they target.
“The idea of making a thriller that’s about the sort of feelings, energy and questions of this time seemed really appealing to us” Marling explained during one interview. She really hopes her movies get people thinking and talking with others about whatever the films means to them. Apparently all her films aim to mix modern realities in a way that also pushes boundaries, treads on controversial ground. And that’s certainly the case in The East.
In fact, the origin of this movie began years ago when Marling and Batmanglij (director of the film) spent a summer ‘on the road’ together. Travelling without any money, they met up with a group of freegans*, who inspired the anarchist characters in The East. Both friends were really moved by the bravery of these people, who, from the same generation as them yet intentionally dropping out of conventional society, were so open to teaching things (diving dumpsters for example).  ”When you dive a dumpster for the first time, you’re thinking what everybody thinks: this is weird, it’s gross and it doesn’t make sense… Then you realize that there’s a lot of really perfectly good food in there” Marling recalls.
Based on this experience, Marling and Batmanglii felt inspired to write a movie in this same spirit.
These days she thinks it is stupid not to dive a dumpster while there’s a huge percentage of population living below the poverty line, but at the same time acknowledges that dumpster diving isn’t for everyone.
Despite (or perhaps because…) of her unusual path, this tree climber girl is actually in a growing career. Nevertheless she seems to be very careful about success. Commenting that “it can be troubling and dangerous”, Marling prefers not to take to it too seriously because at the end of the day it is just making movies, and what she really loves is living in a real world, not in a pretend one.
–What´s next for Marling: she plays Abraham Lincoln’s mother in “The Green Blade Rises,” one of a group of women left to fend for themselves in the Civil War drama “The Keeping Room,” and stars in sci-fi drama, “I Origins”, directed by “Another Earth” director, Mike Cahill.
*Freegans are people who employ alternative strategies for living based on limited participation in the conventional economy and minimal consumption of resources.
Sources: Time entertainment,

Publicado en

lunes, 1 de julio de 2013

The Oscar and the 9 must see movies of 2013

Dolby Theatre, Los Angeles. Sunday, February 24th.

Red carpet, glamorous people, TV presenters, cameras from all over the world…. It was “D” day, especially for people like me, who year after year, watch the complete ceremony and go to bed wishing to be a “star” like all of them… at least one day.
I imagine, for those fortunate enough, it is a moment of ecstasy, they should seize at maximum the opportunity of being part of Hollywood´s history, the “Mecca” of cinema.
As with other cinema award ceremonies, fashion also has a leading role; in fact transmitted coverage of the  red carpet was extended during the last years, before it was only 30 minutes! Makeup, hair and clothing… what you see will be a  tendency. New designers and recognized fashion firms co-exists on this “unique” night. Viewers from nearly 225 countries want to see their favorite ones – real men and women –  with whom they could feel identified, so as to copy their styles.
This year it was 85th ceremony, despite usual mistranslations, everlasting thankful words and a large list of categories, I watched it from A to Z. Three and a half hours.  Classical but at the same time modern. I recognized it was a bit original, a big tribute to musicals, many actors performed during the celebration, new cinema promises were mixed with legendary names; a new talented comedian, Seth McFarlane, irreverent but at the same time cool, was the master of ceremonies. Adele shined with her song, “Skyfall”, from the most recent James Bond movie, and also won for Best Original Song. And the surprise of the night… Michelle Obama appearance from the White House to present the Academy Award for Best Picture.
9 films were competing: dramas of all kind: a musical, an adventure film, an historical thriller and a spaghetti western. The party is over and not all of them were succesful, but at least all of them will be surely the must-see films this year, here the list…
1- Lincoln was the one with most nominations, in fact, there were 12, but it won only two. This drama focuses on the 16th President’s tumultuous final months, where he pursues a course of action designed to end the war, unite the country and abolish slavery. “If slavery is not wrong, nothing is wrong”, this US president had written in a letter dated April 4, 1864. Two-times Academy Award winner Daniel Day-Lewis, who I always remember from “My left foot” (1989), won his third Oscar playing this brave Lincoln, directed by another two- times winner (for Best Director), Steven Spielberg.
2- Argo, Ben Affleck´s thriller was the triumph of the night. Also produced by George Clooney, it won three awards including Best Picture, announced by the very same Michelle Obama, in an act critized by the Iranian Goverment. Tony Mendez, a CIA operative, (played by Affleck) led the rescue of six U.S. diplomats from Tehran, Iran, during the 1979 Iran hostage crisis. The Academy omitted Affleck from the Best Director nominations, although the actor had won a Golden Globe in this category. He confessed to having felt frustrated for not having been nominated  in that category, and many felt he deserved it.
3- The French-language drama film, Amourwritten and directed by the Austrian filmmaker Michael Haneke, and starring Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva and Isabelle Huppert, won for Best International Movie. Haneke saids: “At a certain age we are forced to confront the suffering of those we love”. The film focuses on an elderly couple, Anne and Georges, who are retired music teachers with a daughter who lives abroad. Anne suffers a stroke, which paralyses her on one side of her body. The performance of Emmanuelle Riva as Anne, was particularly compelling. The Hiroshima mon amour (1959) actress, had just won a César Award and a BAFTA, but, on the day of her 86 birthday, she couldn’t make it an Oscar as well. The film also won the Palme d’Or at the 2012 Cannes Film Festival.
4- Silver Linings Playbook is the movie that made Robert de Niro break down in tears on Katie Couric´s show while discussing the subject of bipolar disorder. The acting icon began to cry after the hostess asked him, “Did you feel a greater responsibility about doing a film that had so much personally invested in?”. The 69-year-old film legend said, quickly getting teary-eyed. “I don’t like to get emotional, but I know exactly what [David Russell] goes through.” Russell, the director also nominated, has a son with this mood disorder. This American romantic comedy drama narrates the story of Pat (Bradley Cooper) who returns home to her parents (Robert De Niro and Jackie Weaver) trying to find the bright side of things. Pat’s world turns around when he meets Tiffany (Jennifer Lawrence), a beautiful widow as strange as him. This was the first nomination for Cooper and the second for Lawrence, who won for Best Actress, and stumbled on the way to collecting her award.
5- Life of Pi, an American 3D adventure drama film directed by Ang Lee, revolves around a 16-year old boy named “Pi” Patel, who survives a shipwreck in which his family dies, and is stranded in thePacific Ocean on a lifeboat with a Bengal tiger. Ang Lee – half Taiwanese, half American- won the Best Director award. This was not, in fact, his first time: he had won for Brokeback Mountain in 2005, being the first person of Asian descent to win in his category.  The film also won in three more technical categories.
6- The film Les Miserables has received mixed, but generally positive reviews. Nominated for eightAcademy Awards, it only won two, including Best Supporting Actress for Anne Hathaway. It is a British musical drama film based on the 1862 French novel by Victor Hugo. Directed by Tom Hooper, who won for The King´s Speech in 2011, tells the story of Jean Valjean, an ex-convict who becomes mayor of a town in France. He agrees to take care of Cosette, the illegitimate daughter of the dyingFantine, but as a fugitive must also avoid being captured again by police inspector Javert. Many critics praised the cast, especially Hathaway´s performance, for which she lost a substantial amount of weight and cut her hair short into an Audrey Hepburn style. Curiously Hathaway`s mother had played the same role in the first U.S. tour of Les Misérables.
7- Django Unchained, the spaghetti western of the list, a sub-genre of Western films that emerged in the mid-1960s in the wake of the Italian, Sergio Leone‘s film-making style. This is a story of slavery, racism and love written and directed by Quentin Tarantino with Jamie Foxx, Christoph Waltz andLeonardo DiCaprio in leading roles. The movie follows a freed slave (Foxx) who treks across the United States with a bounty hunter (Waltz) on a mission to rescue his wife from a cruel and charismatic plantation owner (DiCaprio). Quentin Tarantino won the Oscar for Best Original Screenplay and also a BAFTA in the same category. Waltz collected the award for Best Supporting Actor.
8- Zero Dark Thirty, a historical drama film directed by the influential and brave Kathryn Bigelow, had a very bad night. Bigelow became the first woman to win an Academy Award for Best Director with The Hurt Locker in 2009. Her movie, “the story of history’s greatest manhunt for the world’s most dangerous man”, is a dramatization of the United States operation that found and killed Osama bin Laden, leader of Al-Qaeda. This controversial movie – that falsely depicted torture as instrumental in the finding of Osama – received wide critical acclaim and was nominated for fiveAcademy Awards: Best Picture, Best Actress (Jessica Chastain) and Best Original Screenplay, however it did not win any.
9- Beasts of the Southern Wild is a fantasy drama film directed by Benh Zeitlin. The film was nominated in the categories of Best Picture, Best Director (Benh Zeitlin) and Best Actress(Quvenzhané Wallis) who, at the age of 9, was the youngest female child nominee of the Academy, and was in fact only six during the filming!  Unfortunately it did not receive any awards but the film deserves to be seen. It is the tale of a six-year-old girl, almost orphan, buoyed by her childish optimism and extraordinary imagination, she believes that the natural world is in balance with the universe until a fierce storm challenges her reality…

jueves, 27 de junio de 2013

Adriana Lestido


For more than 30 years Adriana Lestido documented real life through intimate photos. She was born in Buenos Aires in 1955 and worked as a photojournalist for the dailies La Voz y Pagina 12.

Lestido´s photographic essays (from 1979 to 2007) portray various aspects, combinations and variations of motherhood. Her black-and-white photos describe the often difficult place of women in society.
The photographer once said about her work: “It has long been said that I document the feminine universe. But it’s more that I portray the constant absence of male, which is not the same thing”.
Her work comes in series; Hospital infanto-juvenil (1986-1988), Madres adolescentes (1988-1990), Mujeres presas (1991-1993), Madres e hijas (1995-1998), El amor (1992-2005) and Villa Gesell (2005).
In ‘Mujeres presas’ for example, the photos were taken during a whole year in prison No. 8 of Los Hornos, La Plata. Lestido visited regularly to take the photos of women in prison with their children. Argentina is one of the only countries where an accused or prosecuted women has the right to be in prison with her child until he or she is two years old.
Her last photobook ‘Lo que se ve’ was also introduced during the last exhibition opening and she dedicated it to her friend, Willy Moralli, who disappeared in 1978 during the dictatorial goverment.
In words of art critic Rodrigo Alonso, “Lestido prefers to portray characters in their own environment, with their actions and their living spaces, avoiding the sets and forced poses. Her camera is ready to capture small gestures, involuntary movements, moments where her presence is completely gone to the people she photographes.
Adriana Lestido has received many awards like a Mother Jones from United States and a Konex from Argentina. She was the first Argentinian photographer to receive the Guggenheim Fellowship and her work was widely exhibited, not only in Argentina, but also in United States, France and Sweden.
Museo Nacional de Bellas Artes, in Buenos Aires, is currently showing an exhibition on 70 of her works. The exhibition can be visited until July 14th.
Visit her website to see more of her work.

miércoles, 12 de diciembre de 2012

Susana Trimarco, madre de luchas

A juzgar por la justicia de nuestro país hoy Susana está sola, pero no lo está, hay todo un pueblo indignado detrás.

Susana no en vano se vistió de prostituta, no en vano visitó prostíbulos, no en vano luchó sin cansancio desde hace una década, para dar con algún dato que la ayude a encontrar a María de los Angeles, o Marita, como le decían a su hija.

Secuestrada y obligada a ejercer la prostitución, desapareció un mal día en Tucumán, cuando iba camino a una consulta médica.

Los delincuentes que se la llevaron hace 10 años, hoy fueron absueltos en un fallo bochornoso.

Pero Susana sabe que no hizo este camino sin un sentido y no se da por vencida. En esa mirada de bronca y tristeza sustenta una pelea que hoy es más fuerte que nunca.

Susana con su ejemplo seguirá rescatando víctimas de la trata, con la esperanza de encontrar con ellas a Marita, o algo de ella, aunque más no sean sus huesos.

Susana es referente y madre de luchas.


lunes, 3 de septiembre de 2012

Diane Arbus: Esas rarezas humanas

Diane Arbus salió a buscar el lado oscuro de la vida y, con sensibilidad y tacto, hizo visible lo marginal. Su mirada sobre el mundo trascendió estereotipos culturales, convirtiéndola en pionera de un nuevo estilo documental, y en una de las principales fotógrafas del siglo XX. 

Dicen que el arte permite liberar demonios y Diane Arbus con la fotografía intentó no sólo liberarlos, sino también liberarse. Desafiando las convenciones de su época, y con un impacto más allá de su contemporaneidad, permitió que al espectador le llegaran fragmentos de una realidad oculta, considerada para muchos anormal y defectuosa.
Diane no fue convencional ni en la inocencia de sus primeros años y, la búsqueda de la identificación a través de aquello que era diferente, fue una constante a lo largo de su vida. Diane antes de ser “Arbus” fue “Nemerov” y nació el 14 de marzo de 1923 en Nueva York. Sus padres, comerciantes judíos -dueños de un almacén en la Quinta Avenida- la sobreprotegieron y rodearon de pompas. Todo lo que le ofrecían era muy lindo, pero Diane sentía que esa realidad no le era propia: “lo no aceptado socialmente” era considerado mala palabra, y eso le resultaba incómodo e irreal. Esta sensación se acentuó entrada la adolescencia, le llamaban la atención los ambientes menos confortables y la fauna que los habitaban, y comenzó a convertir el metro de Nueva York en la escenografía de un nuevo mundo a descubrir. Por esta misma época, se cruzó en su camino Allan Arbus -empleado del negocio de los Nemerov- con quien inició una relación, a pesar de la negativa de sus padres, y contrajo matrimonio a los 18, adoptando el apellido.
Diane y Allan decidieron dedicarse a la fotografía publicitaria y de modas. Eran los años '40 e importantes revistas -entre ellas Esquire, Vogue y Harper’s Bazaar- les encargaban producciones. Formaban un buen equipo y trabajo no les faltaba, pero no gozaban de una economía estable y tampoco contaban con la ayuda de Don Nemerov. Diane, ya por ese entonces madre de dos hijas -Amy y Doon-, entró en una etapa de crisis y replanteos personales: el mundo de la alta sociedad, el show business y la imagen publicitaria no eran santos de su devoción, y sentía que quería centrar su trabajo en una mirada más interior. 

A mediados de los años '50, el fotoperiodismo como poética de la vida cotidiana estaba en auge, y fotógrafos como Cartier-Bresson y Elliot Erwitt comenzaban a convertirse en íconos. Diane, de común acuerdo con su marido y en el ínterin de un trance conyugal que los llevará al divorcio, deja de asistir a Allan en el negocio y se vuelca de lleno a los estudios con la fotógrafa austríaca Lisette Model, también conocida como “la retratista de lo crudo”.
Para la joven fotógrafa esto significará un punto de inflexión en su carrera, Lissette -con quien comparte historias de vida parecidas- será quien la guiará en el reenfoque de su trabajo. A partir de aquí, aplicará como máxima vital en sus trabajos la frase de Model: “no pulsen el disparador hasta que el sujeto que enfocan les produzca un dolor en la boca del estómago”.
Trabajo de autor
El período más fructífero en la vida de Diane Arbus fue en los '60. Durante estos años, las peores calles de Nueva York se volvieron su hábitat y allí, en lo más oscuro de la noche, salía a recorrer y fotografiar con su cámara: primero una Nikon de 35 milímetros, que luego cambiará por una Rolleiflex de formato medio.
A diferencia de otros contemporáneos de su época, Diane no era voyeurista, lo que buscaba era conocer en profundidad esos escenarios y sus personajes. Según Jeff L. Rosenheim, curador del Departamento de Fotografías del Museo Metropolitano de Nueva York (MET), ella solía entablar largas relaciones con los sujetos protagonistas de sus fotos. Su pasión por la fotografía afloraba en estas conversaciones en las que iba convenciéndolos a posar y así fue cómo sus retratos se volvieron una excepcional galería de individuos dejados al margen del american way of life.
En 1967, el MoMA (Museum of Modern Art de Nueva York) la incluyó en una exhibición llamada "New documents" junto a otros prestigiosos fotógrafos como Garry Winogrand y Lee Friedlander. A raíz de esta muestra, Arbus despertó sentimientos encontrados, a la par del rechazo de algunos, hubo quienes sostuvieron que se encontraban frente a un nuevo estilo de fotografía documental. A partir de allí, su reputación se comparó con la de los grandes, la comunidad artística comenzó a interesarse en su trabajo y recibió becas Guggenheim en 1963 y 1966. 
Nuevamente revistas como Harper’s Bazar y Esquire le confiaron una serie de retratos, esta vez de escritores, actores, actrices y poetas: Norman Mailer, Mae West, Jorge Luis Borges, Mía Farrow, entre otros, desfilaron frente a su lente con la peculiaridad que sólo Diane lograba, al intentar que dejaran de lado su faceta pública para plasmarlos en su verdadera esencia.
A pesar de estar en boca de todos, muchas de sus fotos no eran publicadas y esto no sólo complicaba sus finanzas, sino que minaba su autoestima que era de por sí bastante frágil.
En 1972 su trabajo participó de la Bienal de Venecia -siendo la primer fotógrafa estadounidense en ser seleccionada- y el MoMA organizó una nueva muestra en su nombre: un gran reconocimiento y su primer retrospectiva... por fin Diane estaba de moda, pero la oscuridad la había atrapado, y un año atrás ya se había quitado la vida.

El fervor que le despertó desde pequeña el hecho de que le prohibieran ver todo tipo de rarezas humanas, y la película La parada de los monstruos (Freaks en inglés) de Tod Browning (que narra las vivencias de una pareja de enanos de circo) gran inspiración para Diane, provocaron que sus fotos se poblaran de singulares figuras. Todos aquellos personajes considerados fuera de los patrones de aceptación social fueron sus favoritos: fenómenos de circo, gigantes, artistas callejeros, enfermos mentales, vagos, borrachos, exhibicionistas, prostitutas, travestis, pobres, niños especiales, gemelos, enanos.
A la par de sus queridos freaks, retrató gente “convencional”, pero ella tenía la habilidad de conseguir que parecieran habitar el mismo mundo desorbitado que sus “monstruos”. Y éstos, a su vez, parecían ser el reflejo de todos los “normales”. Diane tenía un trato democrático con todos, y esto explica por qué frente a su objetivo no había diferencias entre unos y otros. Sus personajes percibían su verdadero interés por conocerlos y, entre fotógrafa y retratado, se producía una suerte de complicidad en la vulnerabilidad en la que mostraban frente a ella sus verdaderas miserias. Pero la mayor frustración la encontró con los enfermos mentales, tan desconectados e impenetrables, sumergidos en un entorno que sólo a ellos les pertenecía.

Su particular técnica también tuvo mucho que ver a la hora de producir amores y odios en el espectador: Diane rompe la composición, sitúa a sus personajes en el centro del encuadre, frente a cámara, para que miren directamente al lente y utiliza el flash (incluso de día- flash de relleno) para que se revelen bien todos los defectos. Sus fotos en blanco y negro, llenas de contrastes y producto de un trabajo intenso de luz y sombras.
Al final de sus días, su vida se fue volviendo defectuosa como los personajes de sus fotos. Empezó a abandonarse. Su manera de vestir se volvió descuidada y su vida sexual promiscua -se acostaba indistintamente con hombres y mujeres – y hasta se dice que tuvo sexo con algunos de los “monstruos” a los cuales retrató. Sus crisis y depresiones se hicieron más profundas y frecuentes. Sobredosis de pastillas para dormir y corte en las venas terminaron, el 27 de julio de 1971, con sus 48 años de vida.
Más allá de mito o realidad, parte de su vida fue llevada al cine. El film - Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus- se centra en un período de la vida de la artista, a través del relato ficticio de la historia de amor con uno de sus “monstruos”. El guión de la película está basado en el libro Diane Arbus: A Biography as a source de Patricia Bosworth, fue producida en 2006 y dirigida por Steven Shainberg, con Nicole Kidman en el papel de una inexpresiva Diane y Robert Downey Jr como su peludísimo amante.

Lo que no es, puede llegar a ser 
Diane Arbus hoy sigue generando fascinación, inspiración y rechazo. A pesar de las críticas que la tildaron de querer “degradar y faltar el respeto a sus retratados”, se considera que su obra va más allá de todo amarillismo.
Su principal aporte fue permitir que los límites entre los estereotipos se difuminaran: provocó que lo presuntamente “normal” pudiese parecer “anormal”, y que lo estéticamente monstruoso, pudiese ser un poco más bello a través de su óptica.
Sus fotos fueron ese espejo donde pudo conocer y descifrar esas rarezas que en todos, en mayor o menor medida, existen. Y en esta búsqueda desesperada por el conocimiento de quiénes somos, intentó también encontrarse ella: rebelde, inteligente, tímida, controvertida, honesta, exhibicionista, insegura, vanguardista, valiente, humilde, triste, libre de hipocresía, sensible, amante de lo bizarro. Ella misma: Diane Arbus. 

Publicado en Revista Dada Mini Nro 12

domingo, 2 de septiembre de 2012

Great Expectations

Se titula una de las tantas novelas de Charles Dickens. Su lectura era materia obligada en la clase de inglés avanzado, y suponía entenderlo para luego defenderlo frente a la estricta Miss Viviana, aunque comprender la complejidad del mundo adulto- que retrata este crítico social- fue mucho después...
A partir de ahí presté más atención a esto de las "expectativas" que comenzaron a darme vuelta para ya no irse. Todos tenemos expectativas: unos más, otros menos, unos más altas, otros más bajas... Se van generando, o también podemos decir que nos las van generando, a través de la crianza, el entorno, la educación. Cuando somos concientes nos llevan a ilusionarnos con eso que nos imaginamos y imaginaron, ó deseamos y desearon para nosotros. Recorremos la vida preparados para recibirlas tal cual esa foto que nos hicimos, pero puede pasar que la foto sea diferente, y es ahí cuando no hay colchón que aliviane la caída.
Posiblemente al personaje del cuento de Dickens no le haya pasado esto. Pip comienza su historia huérfano, pobre y maltratado, pero determinado hecho en su infancia lo compensa, un benefactor aparece en su vida, lo ayuda a convertirse en "sir" y comienza a obtener lo impensado.
Así como Pip, hay muchas personas que parecen haber sido tocadas por la varita mágica. Tomando como ejemplo algo mucho más banal, se me vienen a la cabeza algunas entrevistas a personalidades "destacadas" (actores, artistas, modelos, celebrities, realezas) a quienes -entre medio de casas y vidas de ensueño- se les dedica páginas y páginas a color en revistas, para que analicen sus vidas, talvez buscando un poco del secreto de su éxito, y culminen la nota afirmando la envidiable frase que dice algo así como que "la vida les dio mucho más de lo que esperaban".
Me pregunto qué habrán esperado... y me pregunto si no hubiera sido mejor en lo que a mí respecta, no haber esperado nada, o no haber esperado tanto... aún así lo sigo haciendo, en el día a día e incluso en días como hoy donde intento que se corran esas nubes que tengo arriba de mi naríz, a pesar que afuera el cielo está más azul que nunca.
Puede que el afuera haya depositado grandes expectativas en mí, creo también que yo misma deposité grandes expectativas en mí. Puede que esté siendo un poco derrotista y no haya hecho aún lo suficiente, o que tenga que esperar a que llegue el momento esperado. Pero también puede ser que sea hora de empezar a sentirme más conforme, sin caer del todo en el conformismo.

domingo, 26 de agosto de 2012

En Blanco y Negro

No me siento de ningún lugar, y si pudiera vivir de ciudad en ciudad lo haría, porque me siento del mundo; pero a 3 años de estar en esta hermosa y monstruosa, blanca y negra Buenos Aires... es probable que algo parecido a lo que dice esta letra me pase...

"...Como yo, que la amo
Como yo, que la extraño,
Como yo, que no puedo irme,
Muy lejos sin llorar"...